Par Thierry Aznar
22 mai 2014
Prix : 38 €

Un genre latent, bien plus violent que la pop music, était apparu aux États-Unis en 1968. Par son aspect révolutionnaire, il semblait condamné à la marginalité. Qui aurait imaginé qu'il n'aurait fallu que douze ans pour que toute la France chante « Antisocial » (1980) ? Entre ces deux dates, ce « genre » appelé hard rock avait transité par l'Angleterre. Popularisé par Led Zeppelin, le hard rock allait enfanter des centaines de groupes aussi proches dans l'esprit qu'éloignés géographiquement. Après les années de défrichage (1970 - 1989), notre tome 2 (1990 - 2009) vous invite à découvrir une planète conquise, pour ne pas dire à genoux. Dans le sillage des Anglais de Queen, des Australiens d'AC / DC et autres Scorpions Allemands, découvrez ces groupes du monde entier, forts en gueule et riches en guitares hargneuses.

Par Yannick Maréchal
15 juin 2015
Prix : 40 €

Une des spécificités du Reggae est d'être composé de multiples courants musicaux. Les racines de ce mouvement prennent naissance en Jamaïque dès la fin des années 50 avec le Mento / Calypso et le Jamaican Shuffle débouchant sur le Ska, puis évoluant à travers le Rock Steady et l'Early Reggae pour aboutir au Roots Reggae / Dub, dont l'apogée se situe au milieu des années 70. Cette période, couvrant globalement une vingtaine d'années (du tout début des années 60 jusqu'au tout début des années 80), est sans conteste l'Âge d'Or de la musique jamaïquaine : les disques se succèdent à une cadence infernale et la qualité est toujours au rendez-vous. Dans cet ouvrage sont traités uniquement les innombrables enregistrements originaux de ces deux décennies, à travers plus de 250 groupes et artistes et 1 400 albums. L'auteur : Yannick Maréchal est passionné de musique jamaïquaine (sous tous ses aspects). À partir des années 80 il édite trois fanzines, Jamaica Session, Trumpet Of Zion puis The Reggae Injection. Il est l'auteur en 2005 de l'Encyclopédie du Reggae parue aux éditions Alternatives. Grand amateur de littérature et de cinéma fantastique il a également participé à l'ouvrage Gore - Dissection d'une collection de David Didelot sorti aux éditions Artus Films en 2014. Il prépare actuellement un ouvrage sur les loups-garous et les vampires dans l'histoire du cinéma, des origines à nos jours.

Par Joe Perry et David Ritz
19 novembre 2015
Prix : 38 €

Co-fondateur et guitariste d'Aerosmith, Joe Perry raconte ici sa vie et sa carrière dans le rock and roll, de son enfance dans les bois du Massachusetts aux stades du monde entier, en passant par les hauts et les bas d'un des plus grands groupes américains. Rocks est un livre qui contient plusieurs histoires en une. Comme il le dit lui-même, c'est « l'histoire d'un solitaire, l'histoire d'un groupe culte, l'histoire d'une guérison, une histoire d'amour, mais aussi une histoire de succès, d'échec, de renaissance, et de reconstruction. » « Un tour de montagnes russes à travers la carrière de l'un des plus grands guitaristes du rock and roll. Accrochez-vous ! » - Slash. « Rockin'Joe Perry balance tout ! » - Jimmy Page. « Joe Perry maîtrisait déjà son art avant la naissance de certains d'entre vous. Il a tout vu, tout fait. C'est le guitar hero d'un groupe qui a toujours fait les choses à sa façon. Joe n'a jamais aimé les paillettes de Hollywood. Il n'a jamais regardé derrière lui pour voir qui le talonnait. Gentleman du rock, Joe trône au sommet du rock and roll. Avouez-le : vous êtes jaloux. Quand je serai grand, je voudrais être Joe Perry. » - Gene Simmons.

Par Michel Rose
16 mars 2015
Prix : 32 €

Voici la réédition très attendue du PREMIER LIVRE consacré au rockabilly ! Michel Rose, né dans le Poitou en 1948 et bien connu des amateurs de rock fifties pour ses livres « Les Pionniers du rock n' roll » et « l'Encyclopédie de la Country et du Rockabilly », vient de mettre à jour son « Rockabilly Fever » publié en I983 et salué comme une première par la presse anglophone. Retrouvez ce cocktail explosif où se rencontrent dans une alchimie redoutable le western-swing, le honky-tonk, le hillbilly-boogie, le rock et le Memphis Blues. Abreuvez-vous sans fin aux sources de la musique des country boys du Sud des États-Unis en lisant cet ouvrage unique en son genre... Et boppez dans vos blue suede shoes jusqu'au Rockabilly Heaven où Hank Williams, Buddy Holly, les Burnette Brothers, le King Elvis, Roy Orbison, Carl Perkins, Johnny Cash, Janis Martin et tous les autres vous attendent pour une jam paradisiaque qui se prolongera jusqu'à la nuit des temps.

Par Thierry Aznar
20 mai 2015
Prix : 38 €

Les albums essentiels du hard rock et du heavy metal sont, pour la plupart, déjà bien identifiés par tous les amateurs de musique plombée et à haut voltage, les grands noms du genre aussi. De Led Zeppelin IV à Paranoid de Black Sabbath en passant par Machine head de Deep Purple ou Back in black d'AC/DC, tous ces disques et bien d'autres sont probablement déjà dans toutes les discothèques hard rock et heavy metal du monde entier. Nul besoin donc d'en dresser une nouvelle liste superflue ou d'en proposer des chroniques redondantes : ces grands disques ont déjà reçu tous les honneurs ! En revanche, d'autres, parfois tout aussi essentiels mais bien moins connus, pourrissent dans les enfers du hard rock et du heavy metal depuis trop longtemps entre indifférence, mépris et ignorance. Il est temps d'en entrebâiller les portes pour tenter de réhabiliter quelques-uns de ces disques maudits, de ramener à la lumière une poignée d'albums oubliés et de faire changer d'avis sur certains autres mal considérés. Ce livre, troisième tome d'une trilogie, en est l'occasion à travers les chroniques, soit d'albums de groupes méprisés par les critiques, soit de groupes inconnus ou sous-estimés, soit enfin d'albums mal aimés de formations pourtant célèbres. Ces chroniques s'étalent, entre 1968 à 2014, sur plus de quatre décennies de purgatoire du hard rock et du heavy metal...

Par François Grimpret
17 mars 2016
Prix : 28 €

La musique rock n'a pas fini de nous surprendre, comme vous allez pouvoir vous en rendre compte à la lecture de ce volume bourré à craquer de secrets de chansons. Saviez-vous que Layla n'était autre que Pattie Boyd, la femme de George Harrison ? Saviez-vous que « Whiter Shade of Pale » est le titre le plus diffusé par toutes les radios du monde entier (on aurait plutôt pensé à « Yesterday » ou à « Stairway To Heaven ») ? Et que « Gloria », que tout le monde a repris, des Doors à AC / DC en passant par Patti Smith et Jimi Hendrix, n'était à l'origine que la face B d'un modeste 45 tours d'un groupe irlandais aujourd'hui presque oublié, les Them ? Tous y passent, à la moulinette des aveux, de David Bowie à Cure, des Stinky Toys à Mano Negra, de Led Zeppelin à Eric Clapton, de Bryan Adams à Tina Turner. Obligé : après un premier tome à la limite de l'époustouflant, François Grimpret ne pouvait pas relâcher la pression !

Par Christophe Carrafang
19 octobre 2015
Prix : 30 €

« Eye In The Sky », « Don't Answer Me », « Silence And I », « Prime Time », « Old and Wise »… Ces magnifiques chansons à jamais gravées dans nos coeurs nous renvoient à une des formations musicales les moins connues du grand public : The Alan Parsons Project. De 1976 à 1987, dix remarquables concept-albums virent le jour, conçus par un collectif de talentueux musiciens et chanteurs, sous la houlette du binôme fondateur Alan Parsons / Eric Woolfson. Et en dépit des 45 millions d'exemplaires écoulés, peu de monde peut se targuer de connaître les noms de tous les formidables artistes qui participèrent à cette aventure. Alan Parsons évoquera bien sûr aux aficionados des Pink Floyd le nom du jeune et brillant ingénieur du son qui officia sur le mythique Dark Side of the Moon. Mais Eric Woolfson ? Que connaît-on de cet homme discret, malheureusement décédé en 2009, ce mélodiste de génie qui écrivit paroles et musiques de toutes les chansons du Project ? Il n'existe à ce jour quasiment aucune littérature sur The Alan Parsons Project. Cet ouvrage, fourmillant d'anecdotes, a pour ambition de combler ce vide et passera au crible l'intégralité de la discographie du « groupe », revenant sur la genèse du projet au milieu des années 70 et sur le parcours des fantastiques musiciens qui donnèrent naissance à cette matière musicale aussi dense que variée.

Par John Masouri
18 février 2016
Prix : 40 €

Peter Tosh (1944-1987) est un chanteur, guitariste et compositeur jamaïcain. Si ce n'était que cela… Il a aussi appris au monde ce qu'était le mouvement rastafari, qu'il vaut la peine de s'impliquer pour une justice universelle et que fumer de la marijuana ne devrait pas être un délit. Tosh était de tous les combats. Le personnage que l'on découvre dans ces pages est avant tout honnête et sincère, refusant tout compromis. Si son enfance n'est pas facile, Tosh devient cependant une force de la nature et c'est avec une carrure de karatéka qu'il suit le chemin indiqué par Jah. Rien ne l'en détournera - pas même sa folie, à la fin de sa courte vie. On meurt jeune, en Jamaïque. Homme à la personnalité complexe - glacial, voire arrogant avec les journalistes bornés, chaleureux et drôle avec ses amis -, les messages qu'il transmettait ont toujours cours : le reggae, « la seule musique à contenir de la lumière, de l'amour et de la réalité », n'est pas encore reconnu à sa juste valeur, l'égalité des droits n'est pas pour demain, et fumer son herbe tranquille n'est toujours pas au programme. Nous sommes heureux de vous adresser La vie du Steppin' Razor. Si nous avons pu faire encore entendre la voix de Peter Tosh près de cinquante ans après sa mort, la tâche est accomplie.

Par Daniel Lesueur
18 février 2016
Prix : 24 €

Un demi-siècle tout rond ! Un demi-siècle sépare « Tous les garçons et les filles » (1962), chanson emblématique des sixties, de « L'Amour fou » (2012), album magistral qui va définitivement marquer le XXIe siècle. Entre les deux, une discographie enthousiasmante et foisonnante (1963-1969) qui se fit ensuite intimiste (1970-1973) avant le grand retour (« Message personnel », 1974). Comme le chantait Georges Brassens, tout est bon chez elle, y a rien à jeter, malgré quelques compromissions (« Tamalou », « Musique saoule », « Jazzy rétro Satanas ») qui, paradoxalement, lui permirent d'accéder à une plus grande indépendance artistique. 365 chansons en français et près de la moitié en langues étrangères (anglais, italien, allemand, espagnol, portugais) ont forgé en cinquante ans une reconnaissance internationale bien méritée… Un coffre dont on extrait les bijoux un par un, au gré de notre humeur du moment, du sautillant « Comment te dire adieu » à l'éblouissant mais déchirant « Normandia ».

Par Duff McKagan
24 janvier 2017
Prix : 32 €

Le co-fondateur de Guns N'Roses, de Velvet Revolver et des Walking Papers partage ses expériences, où ne manquèrent ni les coups durs ni les grands moments ; voici comment une vie consacrée au rock peut faire de vous un mec bien (malgré tout). A priori, ce n'est pas vers un vétéran de Guns que l'on se tournerait pour un manuel de développement personnel, mais Duff McKagan n'est pas un musicien ordinaire. Comme il commençait à le raconter dans It's So Easy (et autres mensonges), il retrouva la sobriété à l'age de trente ans, retourna à la fac, en apprit beaucoup sur le commerce, tomba amoureux, devint père et rejoignit le droit chemin. Malgré des procès et des erreurs considérables, McKagan apprit à trouver son équilibre entre famille et travail, déplacements professionnels et satisfactions personnelles, compétences commerciales et sacrifices. Dans How To Be A man (et autres illusions), Duff entraine le lecteur dans sa vie de musicien rock sillonnant les routes du monde entier et partage, avec une candeur et un humour désarmants, les vraies leçons de vie apprises sur le chemin du succès et du bonheur, que ce soit au sein de sa famille ou dans sa carrière professionnelle. Après des combats remportés de haute lutte - mieux vaut démarrer avec une base solide et rester humble, ou encore comment contrer la dépression et rendre productives les idées noires -, How to be a man est le guide ultime sur la meilleure manière d'assurer dans la vie, non en tant que rock star menant une vie dissolue rapidement promise à la catastrophe, mais plutôt comme un homme à qui sourient le succès et la longévité.

Par Dayal Patterson
24 avril 2018
Prix : 38 €

Un livre à part dans la série « Black Metal Cult », avec plus de 600 pages d'interviews exclusives. « Le secret du journalisme est simple, mais difficile à atteindre, il faut poser les bonnes questions aux bonnes personnes, et c'est exactement ce que ce livre fait. » S. (Blaze of Perdition) « Après la lecture de Black Metal : Evolution Of The Cult j'étais convaincu qu'il s'agissait du livre le plus important sur le sujet. Alors faire partie de ce nouveau volume est un honneur. Ce livre est un bienfait… ou un méfait ? » V'gandr (Helheim)

Par Alain Feydri
21 décembre 2016
Prix : 32 €

À partir de quel moment évoquer l'importance que les Groovies ont eue dans ma vie ? Hé bien, j'avais douze ans quand j'ai entendu « Slow Death » pour la première fois, et pour moi c'est le morceau qui a tout démarré en me donnant l'envie de m'emparer d'une guitare. D'autres ont eu leur révélation en découvrant Elvis ou en voyant les Beatles chez Ed Sullivan, pour moi ce fut les Flamin' Groovies. « Slow Death » avait tout, depuis son riff assassin jusqu'aux textes sombres évoquant un monde dangereusement attrayant et une attitude qui hurlait « Rock'N'Roll ! » … J'étais accro, et dès cet instant j'ai suivi les Groovies d'aussi près que possible. Le groupe parfait. Quoi que ça ait été un choc quand ils sont devenus Beatles, « You Tore Me Down » et les morceaux plus mélodiques qui ont suivi résonnaient avec autant de force que leur répertoire du début. Ce fut particulièrement vrai pour « Shake Some Action » qui peut être considéré comme leur chef-d'oeuvre et un véritable opus rock'n'roll. Ça avait assez de puissance pour déraciner les branlettes hippy/prog prévalant à l'époque et en faire de l'inapproprié bon pour la poubelle. Addition faite de leur élégance vestimentaire, de leur choix de guitares - Gretsch/Rickenbaker douze cordes et Dan Armstrong -, vous étiez sûr de pouvoir compter sur ce groupe votre vie durant. Vous saviez qu'ils seraient toujours cool et ne vous laisseraient jamais tomber. Robin Wills (The Barracudas)

Par Robert Endeacott
18 décembre 2017
Prix : 34 €

Formés en 1974, les Stranglers débarquèrent sur la scène musicale pile « à l'heure de la fermeture » du Pub Rock, qui entamait sa mutation vers le Punk et la New Wave. Jamais totalement considérés comme Punks, les Stranglers creusèrent leur propre sillon, plus mélodique et profond. Selon les mots de JJ Burnel : « Si on était Punk ? Qu'est-ce que ça pouvait me foutre ? » Le fait est qu'ils ont survécu à leurs contemporains, et mènent toujours une carrière tambour battant à ce jour. L'auteur et Über fan Robert Endeacott retrace l'histoire tumultueuse des Stranglers depuis la naissance du groupe jusqu'en 1990, départ du membre fondateur Hugh Cornwell, premier changement majeur de line-up. Librement écrit sous la forme d'un journal - avec un mélange d'interviews d'époque et de recherches approfondies - Peaches énumère les événements, les albums et les concerts clés de l'histoire du groupe, et couvre également certains incidents méconnus des fans. L'auteur est un membre actif de la communauté des Stranglers, et ce livre comporte de multiples anecdotes et contributions de la part de fans, ainsi que des photos rares et inédites.

Par Eric Smets
26 novembre 2016
Prix : 30 €

Écrire sur la carrière d'Eric Clapton consiste en réalité à se trouver une excuse pour parler de l'histoire du Rock, tant ce guitariste d'exception fait partie intégrante de celle-ci ! Rarement un musicien aura eu une telle influence sur l'évolution de ce que l'on appelle la Rock Music, rarement il aura laissé une telle trace sur la façon dont on l'interprète encore aujourd'hui, et ce avec une discrétion peu commune. L'histoire d'Eric Clapton est jonchée de situations dramatiques et de coups du sort qui auraient dû laisser l'homme abattu sur le bord du chemin. Seule sa passion dévorante pour le Blues lui aura permis de tenir le coup et de continuer. Cette passion sera son leitmotiv tout au long de sa carrière et Robert Johnson le phare qui lui indiquera le cap à maintenir quels que soient les changements et les modes dans le monde de la musique depuis ses débuts en 1963. À travers Eric Clapton, qui a commencé sa carrière en même temps que les Rolling Stones, c'est toute la mythologie du Rock qui est ici évoquée. Au fil des pages, nous allons croiser les Beatles, John Mayall, les trois King et les grands maîtres du Blues, Cream, Jimmy Page, Jeff Beck, Duane Allman, les Stones, les Who, Bob Dylan, The Band, Bob Marley et même Phil Collins ou Roger Waters pour ne citer que les plus connus ! En route pour un voyage à travers la carrière discographique de celui que l'on a un temps surnommé God et qui néanmoins a su rester tellement humain, touchant tant par sa fragilité que par ses errements. C'est au fil des albums qu'il a enregistrés sous son nom ou celui de ses groupes mais aussi de ceux d'artistes avec qui il a collaboré que je vous propose de redécouvrir l'histoire de cette musique qui a révolutionné la fin du XXe siècle ! Retournons pour un temps à une époque où le simple fait de sortir ou même d'acheter un nouveau disque avait une réelle signification, lorsqu'une pochette de 33t pouvait changer votre vie et vous conduire ailleurs… « Her life was saved by Rock'n'Roll » (Lou Reed)…

Par Nick Soulsby
18 janvier 2019
Prix : 34 €

We Sing A New Language est le premier compte-rendu minutieux du travail de Thurston Moore qui compte des centaines d'enregistrements, que ce soit en solo ou via des collaborations, par la voix de ses divers collègues relatant ses réussites dans une grande variété de démarches pleine d'inventivité, le fil conducteur restant le dévouement passionné de Moore à la musique. De la célébration de Fluxus au noise et à l'improvisation en passant par la guitare acoustique et le black metal, sa carrière défie tout résumé mais méritait amplement cette exploration soigneuse. S'étendant de 1978 - avec Sonic Youth, présent bien avant le « rock alternatif » et toujours prêt à expérimenter - à aujourd'hui, l'ouvrage de Nick Soulsby emmène le lecteur à l'intérieur de ce processus créatif, se saisissant de chaque changement clé, de chaque nouveau développement dans l'oeuvre de Moore, depuis l'époque où il fonctionnait dans l'orchestre de guitares de Glenn Branca jusqu'à son adoption sans réserve du free jazz et de l'impro au milieu des années 90. Ces pages sont remplies d'anecdotes issues de la scène rock new-yorkaise, au fil de l'évolution de l'industrie du disque, depuis le commerce de cassettes et de radiocassettes jusqu'aux actuels Spotify et autre PayPal. Anti-rock-star devenu de son vivant monument de la musique, c'est par sa curiosité insatiable que Thurston Moore, toujours heureux d'expérimenter, ne craignant pas de s'immerger dans de nombreux domaines musicaux et auprès d'un grand nombre d'artistes de toute discipline, a su rester un éternel adolescent. We Sing A New Language n'est pas une biographie de Thurston Moore mais un recueil d'anecdote par les musiciens et les artistes qui l'ont côtoyé. Les fans et les musiciens enthousiastes se régaleront de ces récits.

Par Jean-Max Méjean
29 septembre 2018
Prix : 28 €

Tout le monde aurait aimé connaître Georges Brassens, le côtoyer. Tout le monde aurait aimé assister au moins une fois à un concert de lui. Tout le monde aurait voulu l'appeler tonton, ou être son copain, sans toutefois lui taper sur l'épaule car il forçait le respect. Personne n'aurait voulu qu'il meure, surtout si jeune. Mais il est toujours vivant, grâce à ses chansons-poèmes qui ont marqué durablement la culture française. Et grâce à tous ceux qui l'ont connu, de près ou de loin, les copains et ceux qui auraient aimé l'être. Brassens immortel bien sûr, Brassens le poète, Brassens le copain, l'anar, le philosophe, l'ami des animaux. On a tous quelque chose de Georges Brassens et tous ceux qui en parlent ici ne diront pas le contraire… Il a semé des pâquerettes et des têtes de mort un peu partout et c'est pour cela qu'ils sont presque tous là pour le remercier.

Par Christian Bethune
29 septembre 2018
Prix : 30 €

Le nom de Lucille Bogan est longtemps resté absent des études consacrées au blues ou à la culture afro-américaine, et la chanteuses reste encore grandement sous-estimée. Cela tient, sans doute, à trois facteurs. D'abord la biographie de Lucille Bogan reste extrêmement lacunaire, son propre fils semble peu au fait de la vie de sa mère ; ensuite, contrairement à ses consoeurs, nous n'avons pas de traces matérielles concernant ses éventuelles prestations publiques, manifestement la chanteuse n'appréciait guère la scène ; enfin la crudité sans équivoque de ses blues a longtemps effarouché l'industrie culturelle : jusqu'à la fin des années 1990, seule une poignée d'initiés avait accès à son oeuvre. Les choses ont changé depuis qu'avec les rappeurs les « explicit lyrics » sont devenus à la mode, à ce titre l'oeuvre de Lucille Bogan constitue un chaînon manquant entre le blues et le rap. En effet, les paroles de ses blues dévoilent une obscénité souterraine à l'oeuvre dans la culture afro-américaine que le rap a désormais placée sur le devant de la scène. Mais, dans leur style formulaire qui puise aux racines de la tradition, et par-delà le côté salace de leurs propos, les blues de Lucille Bogan, toujours finement observés, proposent un témoignage saisissant sur la vie quotidienne des afro-américain(e)s (en particulier à Birmingham, véritable poumon industriel de l'Alabama), sur la grande dépression de 1929, sur les chemins de fer américains ou sur le trafic et la consommation d'alcool à l'heure de la prohibition etc. Mais c'est sans doute sur la condition et sur les aspirations des femmes issues du prolétariat Noir que Lucille Bogan se montre la plus percutante. Ses revendications féministes diffèrent sensiblement des mots d'ordre des très bourgeoises et très moralisantes ligues féministes Noires comme la NACW. L'oeuvre de Lucille Bogan nous fait découvrir un féminisme sans concession à l'idéologie dominante. Du fait d'une documentation biographique quasi inexistante, seule une étude minutieuse des quelque 67 morceaux enregistrés qui subsistent (Lucille Bogan en a sans doute gravé plus d'une centaine) aura permis de cerner l'art de la chanteuse. Ce n'est donc pas la vie de l'artiste qui éclaire son oeuvre, mais l'oeuvre qui s'élucide par elle-même. Cette démarche semble d'autant plus appropriée que, contrairement aux divas du blues classique, Lucille Bogan est l'auteure de quasiment tous les titres qu'elle a enregistrés, passant, aux dires de son fils, beaucoup de temps à les peaufiner, chez elle, à Birmingham, avant chaque séance dans les studios des compagnies du Nord.

Par Laurence Le Roy
30 mai 2020
Prix : 30 €

1973 s'inscrit comme un millésime dans l'histoire de la musique rock, caractérisé par la percée d'un modernisme qui ouvre de nouvelles capacités instrumentales et suscite de nouveaux champs d'inspiration. C'est l'effervescence de tendances musicales novatrices comme le glam ou l'expérimental, tandis que dans d'autres styles, comme le progressif ou le heavy metal, les artistes semblent aussi rivaliser d'ingéniosité. Le cinéma, la BD, la science-fiction, tout contribue à hisser cette année 1973 au rang d'année phare, de référence toujours actuelle. « J'ai passé ma vie à essayer d'obtenir de ma Fender Stratocaster toutes les couleurs et inflexions de la voix humaine. Je me voyais comme un peintre du son, un fabricant de paysages sonores abstraits » (David Gilmour). « L'Art ne devrait jamais essayer d'être populaire, le public devrait essayer d'être artistique » (Oscar Wilde). « Il n'y a pas de progrès sans déviance » (Frank Zappa). « Au départ, le peintre a une toile, l'écrivain a une feuille de papier, le musicien, lui, a le silence » (Keith Richards). « De toutes les choses que j'ai perdues, c'est mon esprit qui me manque le plus » (Ozzy Osbourne). « Nous étions criblés de dettes, et, s'il n'y avait pas eu Tommy, le groupe aurait sûrement cessé d'exister » (Pete Townshend). « Avec la Reine, je suis sans doute ce que l'Angleterre a de mieux » (Mick Jagger). « La seule drogue qui aurait pu m'intéresser était le LSD, mais je n'en ai jamais pris - je trouvais mes rêves suffisamment effrayants » (Peter Gabriel). « Je ne suis pas fou ; j'ai une bonne connaissance du mysticisme, c'est tout » (Jimmy Page). « Chez moi, choquer fait partie du spectacle. Les gens viennent à mes concerts pour voir la guillotine, et, si on ne la sort pas, ils se sentent floués » (Alice Cooper).

Par Eric Smets
30 décembre 2018
Prix : 32 €

L'histoire d'Eric Clapton est jonchée de situations dramatiques et de coups du sort qui auraient dû laisser l'homme abattu sur le bord du chemin. Seule sa passion dévorante pour le Blues lui aura permis de tenir le coup et de continuer. Cette passion sera son leitmotiv tout au long de sa carrière et Robert Johnson restera le phare qui lui indiquera le cap à maintenir quels que soient les changements et les modes dans le monde de la musique depuis ses débuts en 1963. À travers Eric Clapton, qui a commencé sa carrière en même temps que les Rolling Stones, c'est toute la mythologie du Rock qui est ici évoquée. En route pour un nouveau voyage à travers la carrière discographique de celui que l'on a un temps surnommé God et qui a pourtant su rester tellement humain, touchant par sa fragilité et ses errements. Ce livre est rythmé par la sortie de ses albums dont l'histoire et les petites histoires seront développées dans le détail. Nous évoquerons bien sûr ses diverses collaborations, apparitions et autres sessions durant lesquelles nous allons le retrouver aux côtés d'artistes tels que B.B. King, John Lee Hooker, Chuck Berry, Jerry Lewis, Carl Perkins, Ray Charles, les Rolling Stones, Paul McCartney, George Harrison, Ringo Starr, Bob Dylan, Brian Wilson, John Mayall, Elton John, The Band, Santana, The Allman Brothers Band, Taj Mahal, Buddy Guy, Jack Bruce, Joe Cocker, Rod Stewart, Bill Wyman, Steve Winwood, Sting, Tina Turner, Phil Collins, Kate Bush, Bob Geldof, J.J. Cale, Tony Joe White, Johnny Winter. Sans oublier des musiques de films tels que Retour vers le futur, La couleur de l'argent, la série des Arme Fatale, Homeboy, Wayne's World, Blues Brothers 2000 !

Par Thierry Jourdain
16 février 2019
Prix : 30 €

Si Chokebore fait partie du fourre-tout « groupe indépendant américain », la presse musicale, ayant toujours besoin de sous-genres et d'étiquettes qualifie leur musique de « SadCore », un genre qui se distingue par des paroles tristes, des mélodies mélancoliques et des tempos lents, une étiquette pas si éloignée que ça du « Shoegaze » émergeant au même moment de l'autre côté de l'Atlantique, en Angleterre. « Nous n'avons jamais eu l'impression d'appartenir à une scène » déclare son charismatique leader Troy Von Balthazar « Nous faisons une musique beaucoup trop bizarre pour ça… même si j'aurais aimé que l'on soit plus proches d'autres groupes ». Car le seul groupe à faire de la musique comme Chokebore, c'est Chokebore lui-même. Aller à un concert de Chokebore, à l'instar d'un My Bloody Valentine ou plus récemment d'un A Place To Bury Strangers, se voulait une expérience au bord de la rupture, un raz de marée, un monstre émouvant et destructeur de tympans. Entre lyrisme et violence. En 1989, Troy sort en autoproduction un premier enregistrement avec la formation précédant Chokebore, Dana Lynn. Trente ans plus tard, en 2019, sa discographie solo devient aussi importante que celle avec Chokebore (cinq albums entre 1993 et 2002), avec la sortie de son cinquième album en tant que Troy Von Balthazar. L'occasion de marquer le coup et de célébrer trente ans d'écriture par un livre qui rendrait hommage à lui et à son groupe culte pour toute une génération.

Par Bruno Piszczorowicz
25 juin 2020
Prix : 40 €

Divisé en deux tomes, L'Ère Metal vous propose un voyage temporel à travers l'Âge d'or de la musique metal (les années 80 pour simplifier), là où sa popularité s'est soudainement envolée pour se poser dans le nid du grand public peu avant de brutalement disparaître… ou presque. L'ensemble vise à proposer l'étude la plus complète possible du hard rock / heavy metal à travers, notamment, sa veine la plus mélodique et populaire (vous aurez reconnu le hair metal). Le premier volume s'attachait à la naissance et au développement du genre avant d'alterner timeline mensuelle de son actualité (de 1981 à 1988), analyse de nombreuses thématiques spécifiques et focus biographique sur ses formations les plus emblématiques. Ce second tome reprend la même trame en relatant l'actualité du metal de 1989 à 1994 tout en s'arrêtant sur de nouvelles thématiques et sur le destin de ses têtes de gondole. Ce deuxième volume rend ainsi compte de l'apogée commerciale et artistique du genre tout autant que de la brutale implosion de sa popularité et des séquelles nées de cette onde de choc. Les dernières années ne sont également pas oubliées avec le traitement de l'évolution du genre jusqu'à aujourd'hui et l'étude de la place qu'occupe désormais la musique metal dans la culture populaire. Ainsi réunis, les deux tomes de L'Ère Metal entendent rendre hommage à un genre souvent mis à bonne distance par les garants autoproclamés de la grande Histoire officielle du Rock. Il s'adresse à ceux qui ont vécu à plein ces belles années musicales comme à ceux, plus jeunes, qui se passionnent pour cette époque dorée et pour qui l'image d'Epinal accolée au hair metal a valeur de fantasme de vie et de paradis sur terre.

Par Bruno Piszczorowicz
30 avril 2022
Prix : 36 €

Avec près de 50 ans de carrière, des centaines de millions de disques vendus et des milliers de concerts autour du globe, KISS figure aujourd'hui parmi les plus belles histoires jamais contées du grand Livre du (hard) rock. Entité fantasmée, drainant régulièrement des griefs à l'encontre de sa démarche, KISS a su développer un univers unique et reconnaissable au travers de divers signes distinctifs. Le maquillage caractéristique en est l'un des principaux. Devenu aujourd'hui une véritable institution, il réunit sous sa glorieuse bannière une communauté fervente, passionnée, enthousiaste et foisonnante aux quatre coins du monde. KISS - Paroles de fans invite à la confession plusieurs dizaines de ces KISS addicts, qu'ils soient tout fraîchement contaminés ou, à l'inverse, adorateurs de longue date, fanatiques et exclusifs ou davantage dans la retenue et le recul. Tous témoignent ici du lien qu'ils ont tissé avec la musique, notamment, du groupe mythique. À travers l'étude méthodique de sa discographie qui fait office de fil rouge, ce livre aborde le phénomène KISS via de nombreux autres angles, afin de proposer le panorama le plus complet du Baiser et de montrer ainsi toute la diversité de son immense et tentaculaire pouvoir d'attraction.

Par Dominique Grandfils
28 octobre 2020
Prix : 30 €

Les Beatles ont à jamais marqué l'histoire de la musique populaire. Leurs chansons sont toujours écoutées cinquante ans après la séparation du groupe. Richard Starkey fut l'un de ces quatre garçons dans le vent. Sous le pseudonyme de Ringo Starr, il s'était déjà taillé une solide réputation de batteur. Avec les Beatles, il allait connaître la gloire, jusqu'à devenir l'idole des jeunes américaines. Après une incroyable épopée de près de huit ans, Ringo entama une carrière solo couronnée à nouveau par le succès. Il fut le seul à pouvoir réunir John, Paul et George sur ses albums. Pour maintenir l'espoir d'une reformation impossible… Après des années plus difficiles marquées par les excès et la disparition d'amis proches, Ringo Starr a su se ressaisir et reprendre le cours de sa vie. Avec son All Starr Band composé par les plus grands musiciens du rock, il se produit aux quatre coins de la planète et délivre son éternel message de paix et d'amour. A plus de 80 ans, le batteur garde une forme incroyable après plusieurs décennies de sobriété. Le parcours de ce gamin chétif de Liverpool que la maladie aurait pu contrarier est exceptionnel. C'est véritablement celui d'un survivant qui garde une incroyable soif de vivre.

Par Didier Delinotte
2 septembre 2020
Prix : 34 €

Ils avaient été cette bande de mods dynamiteurs de hit-parades avec les hymnes sauvages d'une jeunesse rebelle. Plus tard, ils ont fait accéder le rock à l'âge adulte et ont amené tout le Swinging London à l'opéra après un ultime hommage aux radio pirates. À l'âge où la plupart des groupes se séparent ou se répètent, eux ont encore su donner des albums originaux, intelligents et surtout lucides sur leur milieu, sur la condition de pop star, mais aussi et au-delà, sur la société, sur le monde, sur la vie. Lucides et honnêtes sont les maîtres mots pour les Who, toujours en exercice ; ils ont mis un point d'honneur à respecter leur public et à donner le meilleur d'euxmêmes, sur disque et sur scène. Ils représentent l'honneur du rock et Townshend, leur leader, est l'un des plus grands artistes (tous terrains) de sa génération, sans conteste. Avec Ray Davies, et ce nom n'est pas fortuit tant il a toujours confessé une admiration sans borne pour le prince poète des Kinks, il reste l'incarnation et la mémoire de ces années-lumière où l'imagination et la créativité faisaient reculer les limites du champ des possibles. C'était il y a environ un demi-siècle et l'on pourrait croire, au vu de l'époque, que ces temps appartiennent à un passé révolu, obscur et enfoui. Sauf qu'il en reste des vestiges et des traces. Sauf qu'il reste, toujours en exercice, les Who !