Par Thierry Jourdain
16 février 2019
Prix : 30 €

Si Chokebore fait partie du fourre-tout « groupe indépendant américain », la presse musicale, ayant toujours besoin de sous-genres et d'étiquettes qualifie leur musique de « SadCore », un genre qui se distingue par des paroles tristes, des mélodies mélancoliques et des tempos lents, une étiquette pas si éloignée que ça du « Shoegaze » émergeant au même moment de l'autre côté de l'Atlantique, en Angleterre. « Nous n'avons jamais eu l'impression d'appartenir à une scène » déclare son charismatique leader Troy Von Balthazar « Nous faisons une musique beaucoup trop bizarre pour ça… même si j'aurais aimé que l'on soit plus proches d'autres groupes ». Car le seul groupe à faire de la musique comme Chokebore, c'est Chokebore lui-même. Aller à un concert de Chokebore, à l'instar d'un My Bloody Valentine ou plus récemment d'un A Place To Bury Strangers, se voulait une expérience au bord de la rupture, un raz de marée, un monstre émouvant et destructeur de tympans. Entre lyrisme et violence. En 1989, Troy sort en autoproduction un premier enregistrement avec la formation précédant Chokebore, Dana Lynn. Trente ans plus tard, en 2019, sa discographie solo devient aussi importante que celle avec Chokebore (cinq albums entre 1993 et 2002), avec la sortie de son cinquième album en tant que Troy Von Balthazar. L'occasion de marquer le coup et de célébrer trente ans d'écriture par un livre qui rendrait hommage à lui et à son groupe culte pour toute une génération.

Par Lucas Hesling
29 septembre 2020
Prix : 28 €

L'histoire du rock a ses grandes légendes (re)connues de tous. Mais elle foisonne aussi de groupes qui, à défaut d'être devenues des légendes, ont grandement participé à sa richesse et à sa diversité. The Hives en fait partie. Créé au début des années 90 dans une petite ville du sud de la Suède, ce groupe devient l'un des chefs de file du renouveau international du rock garage des années 2000 aux côtés d'autres formations comme The White Stripes ou The Strokes. Plus encore que le nom du groupe lui-même, ce sont leurs morceaux qui résonnent encore aujourd'hui dans la tête des gens, dans les publicités, les jeux-vidéo ou au cinéma. Main Offender (2000), Hate To Say I Told You So (2000), Walk Idiot Walk (2004) ou encore Tick Tick Boom (2007), autant de titres emblématiques qui doivent leur succès à leur explosivité et à leur rythme entêtant. Mais les cinq Suédois de The Hives - dont le leader charismatiqueet survolté, Howlin' Pelle Almqvist, figure désormais au panthéon des plus grandes stars de rock - sont aussi de véritables bêtes de scène. Si le groupe rechigne quelque peu à passer en studio pour l'enregistrement des albums - seulement cinq albums en 26 ans -, il sillonne sans relâche les routes du monde entier pour transmettre sa musique et imposer sa « loi ».

Par Xavier Martin
20 février 2020
Prix : 32 €

En 2018, The Cure célébrait ses 40 ans de carrière. Quatre décennies d'existence et plus encore de générations qui se sont reconnues, se reconnaissent et se reconnaîtront dans la musique du combo britannique. À la source de l'inspiration de nombreux groupes que nous écoutons, dans divers courants, cette « pop noire » oscille du plus sombre au plus lumineux. Habilement mise en scène, mariée aux textes de Robert Smith, elle s'offre dans une liberté d'interprétation à l'infini. Xavier Martin est parti à la rencontre de curistes de tous âges et de tous horizons. De la « Curemania » aux temps plus assagis, il dresse une galerie de témoignages de fins connaisseurs d'un groupe déjà culte qui draine pêle-mêle pensées existentialistes et sentiments déraisonnés. Il s'aventure ainsi dans un portrait lucide et sans complaisance d'artistes vus par leur public, conquis par leur univers et admiratif d'une trajectoire hors norme. Transpire également dans cet ouvrage l'histoire particulière d'une relation que d'aucuns entretiennent avec celui apparaissant comme le meneur, celui qui écrit et qui chante. Avec ce Paroles de fans, amateurs et puristes pourront trouver un effet miroir de leur propre écoute de The Cure.

Par Didier Delinotte
19 avril 2019
Prix : 30 €

Sur les décombres de la beat generation, des protest-singers, des éphémères idoles du college rock et des girls groups (les Shangri La's venaient de là-bas), une faune bizarre dans son anti-conformisme et sa diversité d'inspiration bâtissait disques après disques le nouveau son de la ville. Ils s'inspiraient de leurs aînés du folk et du blues, mais y insufflaient l'énergie prométhéenne du rock tout en s'éclatant dans toutes les directions (folk-rock, blues-rock, jazz-rock ou protest-song dadaïste à la Fugs, les Mothers Of Invention de là-bas). Ils jouaient dans les mêmes lieux, le Nite Owl Café, le Club Au Gogo, le Café Wah, le Gaslight, le Gerde's Folk City, le Bitter End, le Village Gate, qui avaient vu débuter des folk-singers empruntés ou gueulards, des plus connus (Dylan) aux plus obscurs (tous ces Llewyn Davis oubliés). New York Sixties donc : quatorze groupes, un duo et un chanteur, tous new-yorkais (ou assimilés) dont on narrera l'histoire, sans oublier la figure totémique de Dylan - new-yorkais du Minnesota - qui n'apparaîtra dans ces pages que comme un deus ex machina. Pour le reste, les Four Seasons, le Lovin' Spoonful, Simon & Garfunkel, les Young Rascals, Tommy James & The Shondells, le Blues Project, Vanilla Fudge, les Blues Magoos, le Band, le Paul Butterfield Blues Band, les Fugs, le Velvet Underground, Tim Hardin, Neil Diamond, Jimi Hendrix ; jusqu'à Blood Sweat And Tears et des groupes moins connus de cet underground newyorkais qui allait jeter les bases du punk-rock américain. New York City / New York Sixties. Le jeu de mots est facile, mais la scène rock de ce New York des années 60 méritait bien un livre et c'est chose faite.

Par Julien Deléglise et Thierry Dauge
26 décembre 2020
Prix : 30 €

Dans les années soixante, pour monter un groupe de rock, il fallait un chanteur, un ou deux guitaristes, un batteur et un bassiste. Quelques années plus tard il devint indispensable de disposer d'un synthé. Point ! On ne compte plus les ouvrages dédiés à ces instruments fondamentaux. En revanche, on a moins fréquemment célébré le piano (pourtant, Jerry Lee Lewis et Elton John ont des millions de fans), et quasiment jamais la flûte ou le violon. Quant à la mandoline, n'en parlons pas ! Et bien si, justement, parlons-en : le présent ouvrage est consacré à tous ces instruments - et ils sont nombreux - souvent discrets et, de ce fait, rarement cités, sans qui rock et pop music n'auraient peut-être pas acquis aussi indiscutablement leurs lettres de noblesse : que serait « Yesterday » sans son quatuor à cordes, ou « Blowin' In The Wind » sans l'émouvant harmonica de Bob Dylan ? Nos auteurs se sont penchés sur un tonneau sans fond et en ont extirpé, qui un banjo, un sitar ou une cithare... qui un saxophone, un dulcimer ou un clavecin, voire une harpe (et la liste est loin d'être finie, comme vous vous en rendrez compte à la lecture de ce passionnant opus).

Par Sébastien Michaud
27 janvier 2021
Prix : 30 €

Ce n'est certainement pas un hasard si, dès la fin des années 80, Depeche Mode met en scène huit de ses fans nord-américains au sein de son « live-road movie » 101. Foule extatique, fans au bord des larmes ou s'évanouissant au premier rang à la suite d'une simple poignée de main : le film souligne à gros traits le statut de groupe culte que certains octroient déjà à l'époque au gang de Basildon. Mais qui sont ceux qui composent le « black swarm », terme utilisé par les membres de Depeche Mode pour désigner « l'essaim noir » de leurs fans les plus acharnés, drainés dans leur sillage, les suivant sur plusieurs dates d'une même tournée ? D'où vient la ferveur de ces « devotees » dont les mouvements de bras en balancier forment à chaque concert un gigantesque champ de blé sur le final de « Never Let Me Down Again » ? Dans cet ouvrage de la collection Paroles de fans, plus d'une centaine de fans de Depeche Mode de tous horizons viennent témoigner de leur passion pour le groupe via leurs souvenirs, leurs parcours de vie, leurs coups de coeur, leurs coups de gueule ou encore leurs vertigineuses collections de disques.

Par Christophe Deniau
29 mai 2021
Prix : 28 €

Jean-Michel Basquiat a compris et rendu compte mieux que quiconque de l'énergie qui existait dans les rues de New York à la fin des années 1970. Passé de graffeur SDF à megastar de l'art contemporain en un éclair, en total autodidacte, il trône aujourd'hui en maître dans la galerie des légendes fauchées par la dope en pleine gloire, entre Jim Morrison et Janis Joplin. Entre son propre groupe Gray, de facture expérimentale, qui anticipait le trip hop, son apparition dans le clip « Rapture » de Blondie, où la chanteuse expérimentait le rap ou encore la production du single hip-hop « Beat Bop » de Rammellzee et K-Rob, Basquiat a participé à sa manière à la scène musicale new-yorkaise du début des années 1980. Mais Basquiat ne fit pas seulement que se plonger dans la musique, il l'intégra aussi à son processus de création, utilisant une approche libre, incarnée par l'esprit du hip-hop, dont la montée en puissance et le succès public furent parallèles au sien. Le livre retrace le parcours de cet artiste exceptionnel sous l'angle de la musique, et explique comment et pourquoi il en est devenu aujourd'hui une référence majeure, cité par les plus grands, de Jay-Z à Massive Attack.

Par H.M.
26 juin 2022
Prix : 28 €

Malgré ses concessions grand public et ses dérives du côté de la variété, Johnny Hallyday reste le seul rocker français qui ait su fédérer les générations et les publics les plus divers. En cinquante-sept ans d'une carrière prolixe et mouvementée, avec plus de trois mille concerts et une centaine d'albums studio et live ayant généré plus de cent millions de ventes, l'idole des jeunes est devenue un monument national : il a irradié pendant des décennies l'histoire du rock français en y suscitant l'admiration ou le rejet - mais jamais l'indifférence -, il a affirmé son statut de star de tous les excès et de tous les succès et, au milieu de ses errements opportunistes, il n'a jamais délaissé ses fondamentaux, le blues et le rock'n'roll originel. Touché de plein fouet dans les années soixante par ce phénomène incontournable qui lui ouvrit une porte d'accès aux musiques électriques, HM, journaliste spécialisé dans le rock français, a assisté à trente-et-une de ses prestations scéniques entre 1965 et 2017. À partir du récit de ces concerts qu'il replace dans leur contexte sociologique et musical, il retrace la carrière du chanteur par rapport à son propre vécu et son évolution personnelle. À travers ses illusions et ses désillusions, ses emballements et ses critiques, il questionne le mythe, le met en perspective et le décortique pour en faire apparaître aussi bien les failles que les éclats, les échecs que les réussites. La passion dont il fait preuve s'accompagne du refus de toute concession et rejette le piège de l'hagiographie pour mieux cerner l'une des épopées musicales françaises les plus fascinantes de notre époque.

Par Frantz-E. Petiteau
26 septembre 2022
Prix : 32 €

Dans ce second volume de Metal & Fantasy, Frantz-E. Petiteau nous emmène cette fois-ci dans les contrées de J.R.R. Tolkien. Epique, riche, monumentale, son oeuvre passionnante a su marquer quiconque en a lu les pages. Certains le seront si profondément qu'ils en perpétueront l'histoire à travers leur art, comme c'est le cas de nombreux groupes, en particulier issus de la scène black metal, désormais indissociables de l'univers de Tolkien. Dans cet ouvrage agrémenté d'entretiens exclusifs avec de nombreux artistes de l'imaginaire, tels que les membres de Summoning, Uruk-Hai, l'énigmatique Mortiis et tant d'autres, Frantz-E. Petiteau revient sur ces albums, ces textes et visuels semblant tout droit venus de la Terre du Milieu.

Par Gérard BICKEL & Garrett McLEAN
20 janvier 2023
Prix : 44 €

Raconter la carrière musicale de Mickey Guitar Baker consiste à passer en revue le Who's Who du rhythm and blues et du rock'n'roll des années 50, des styles musicaux qui font partie intégrante de la culture afro-américaine. Mickey Baker EST le guitariste qui a participé à un nombre incalculable de séances studio, accompagnant d'innombrables artistes. Cet homme, parti de rien, a connu une vie étrange, atypique et passionnante. Comment, alors que rien ne le prédestinait à une vie de musicien, a-t-il pu progressivement devenir un des meilleurs guitaristes au monde ? Comment est-il devenu l'un des musiciens les plus sollicités des studios new-yorkais ? C'est ce que ce livre tente d'expliquer en explorant sa longue carrière imprégnée de jazz, blues, rhythm and blues, soul et rock'n'roll, sans oublier ses multiples méthodes de guitare et de son heure de gloire avec le duo Mickey & Sylvia, sa carrière française et ses diverses incursions musicales. Ce livre de référence, qui ne se lit pas obligatoirement d'une traite, a aussi l'ambition de remettre au goût du jour toutes ces musiques du siècle dernier un peu oubliées afin de les faire découvrir à une nouvelle génération. Cet ouvrage est aussi l'occasion, dix ans après la disparition de ce grand guitariste, de lui rendre enfin hommage.

Par Eric Tessier
26 septembre 2022
Prix : 32 €

1975, c'est l'année de tous les changements pour Rod Stewart. Il s'installe aux États-Unis, à Los Angeles. Terminé les Faces. Fini les groupes. Le pas est sauté : Rod Stewart devient définitivement un artiste solo. Dans cette seconde partie de carrière, il produira 27 albums studios. Albums qui le verront s'essayer avec brio à des styles différents : du folk rock qui lui est habituel à la new wave, en passant par le rock and roll, la soul, les standards américains des années trente/quarante. Ce tome 2 relate cette partie de sa carrière, longue et passionnée qui, vue aujourd'hui avec le recul du temps, s'avère d'une grande qualité, en dépit des polémiques suscitées à l'époque, particulièrement en ce qui concerne « Da Ya Think I'm Sexy? » qui lui valut le mépris de la critique (critique s'extasiant devant le « Miss You » des Rolling Stones, allez comprendre) ainsi que des dérives totalitaires de la part de certains allumés anti-disco. Il eut même droit à voir ses disques brûlés par des fanatiques, pseudo-rockers et vrais réactionnaires qui se rangèrent de fait du côté des fondamentalistes religieux qui, dans les années soixante, organisèrent des autodafés avec les disques des Beatles. Rod Stewart a mené sa barque en haussant les épaules, fort qu'il était de l'amour indéfectible de son public qui, lui, avait dansé avec entrain sur « Da Ya Think I'm Sexy? ». Car il est clair que, depuis les Faces, Rod Stewart est toujours resté proche de ses fans. Mieux, il a gagné l'attention du grand public, à l'image d'un Elvis Presley, passant du statut de star à celui de superstar. Après un léger passage à vide en tant qu'auteur, mais pas en tant qu'interprète, il connaît un regain de créativité avec ses quatre derniers disques : Time (2013), Another Country (2015), Blood Red Roses (2018) et The Tears of Hercules (2021). Depuis 2016, il est devenu sir Rod Stewart, rejoignant ses pairs, tels Paul McCartney, Mick Jagger ou encore Elton John. Sir Rod superstar, la période américaine (depuis 1975), suite de Rod The Mod, la période anglaise (1945-1975), vous fait pénétrer dans les coulisses à la fois professionnelles et personnelles de Rod Stewart, et des différents Rod Stewart Group, tout en analysant chacun de ses disques, depuis Atlantic Crossing (1975) jusqu'à The Tears of Hercules (2021).

Par Jérôme Pintoux
21 décembre 2022
Prix : 28 €

Aux yeux des « spécialistes », le blues anglais fait figure de parent pauvre. Mais ce fut une riche époque. Il ne faut pas la dédaigner. Se sont épanouis dans ce mouvement des gens aussi disparates que les Blues Breakers, les Animals, les Rolling Stones, Cream, Fleetwood Mac, Ten Years After, Them ou les Yardbirds. Tout commence avec Blues Breakers with Eric Clapton, un vinyle de John Mayall, en juillet 1966. C'est peut-être l'album fondateur du blues anglais, avec Crusade de John Mayall et Disraeli Gears de Cream. Le London Blues n'a duré que huit ans. Dès 1972, le british blues n'est plus à la mode. Ce n'est pas assez « glamour »… On veut autre chose. John Mayall connaîtra une longue traversée du désert. Tout passe, tout lasse. Mais le Blues, tel le beau phénix, renaîtra de ses cendres. Il en a le pouvoir.

Par Jérôme Pintoux
20 janvier 2023
Prix : 28 €

Roxy Music, ce n'était pas un groupe lambda. Ces musiciens faisaient un rock glamour, à la fois progressif et rétro, futuriste, passéiste, ironique, distant, dérangeant. On les écoutait, intrigués. On perdait vite ses repères. Ces Anglais avaient un look pas possible, comme des rockers fifties échappés du futur. Les lunettes de mouches mortes de Phil Manzanera, les fourrures « mère-grand » de Brian Eno, c'était décadent. Au milieu de tant de disques fanés, qui rappellent à quel point les seventies furent parfois décevantes, Roxy Music brille encore. Bryan Ferry au chant, Andy Mackay au saxophone, Phil Mazanera à la guitare, Paul Thompson à la batterie, Brian Eno au synthé... Eno ne restera pas longtemps au sein du groupe. Il préférera tenter l'aventure en solo. Il sera l'un des pionniers de l' « ambient music » et un producteur recherché. Nous avons tenté d'esquisser des vies parallèles de Brian Ferry, rocker BCBG, et de Brian Eno, pionnier de l'électronique. Comment Roxy Music a-t-il été perçu à l'époque ? On ne savait pas trop si c'était de l'art ou du cochon. En 1973, on les considérait un peu comme le groupe à la mode, mais moins intéressant que David Bowie, moins mélodique. On croyait avoir affaire à un feu de paille. Ce ne fut pas le cas. Bryan Ferry a poursuivi une carrière solo, avec le succès que l'on sait. On l'a pris pour un mondain, c'est avant tout un cinéphile. Il a hanté les années 30, le répertoire de Cole Porter. Il a même repris du Dylan. L'étiquette « rock BCBG » est un peu ironique. Pourtant elle semble moins péjorative que celle de « rock FM », qui désigne un rock formaté pour les radios américaines, un rock commercial et souvent insipide. Le rock BCBG, c'est une esthétique - un rock raffiné, sans être du rock prog. Sorti en mai 1982, l'album Avalon, par exemple, n'est ni new wave ni after punk. C'est plutôt un album anti-punk, mais sans agressivité aucune, sans déclaration de guerre. Pas du rock engagé. Plutôt du rock dégagé. Des airs qui se perdent dans les brumes, vers l'île des fées. Bryan Ferry a dû détester le punk qui lui avait coupé les ailes en 1977, l'avait terriblement ringardisé et réduit à l'image de crooner rétro. Il a attendu son heure, sinon sa revanche. Cinq ans après les Sex Pistols et les Clash, Roxy Music publie Avalon. C'est au tour des punks de se sentir relégués, de voir leur image ternie.

Par Rudy Lenners
27 juin 2023
Prix : 30 €

Rudy Lenners a vaincu l'adversité. Devenir batteur professionnel, malgré une farouche opposition parentale, était déjà un défi. Mais se transformer en artisan des années formatrices d'un groupe allemand amené à devenir le plus gros exportateur de disques dans son pays, c'était une autre sacrée paire, non seulement de baguettes, mais aussi de manches. Pourtant, c'est bien la frappe du musicien, belge jusqu'aux bouts des cymbales, que l'on a le plaisir d'entendre sur deux albums devenus cultes des SCORPIONS, In Trance (1975) et Virgin Killer (1976). Avant le succès industriel autant que planétaire de « Still Loving You » et « Wind of Change », il y a eu l'ascension, le travail, la création, l'incertitude. Rudy a été témoin autant qu'acteur de cette époque, et a traversé des années de vaches maigres pour en sortir fort comme un boeuf, partageant sa passion non seulement à travers ses prestations en tant que musicien mais aussi, la reconnaissance venue, à travers ses travaux de producteur et de conseiller. Pour Rudy Lenners, la musique est un art complet. Puisque, même s'il a perpétuellement le regard tourné vers l'avenir, il est parfois bon de jeter un oeil espiègle dans le rétroviseur, Rudy a décidé de se raconter. Humblement, simplement, sur un ton léger et informel, car, comme il le dit si bien : « Être peu sérieux, c'est déplorable. Être trop sérieux, c'est ennuyant ». A travers ces pages, Rudy s'ouvre et se raconte, abordant les contours et le coeur de son existence comme autant de sujets d'amusement et de réflexion. Ce livre rythmé (comment pourrait-il en être autrement ?) réalisé sous forme d'entretiens menés tambour battant, satisfera l'appétit de ceux qui aiment savourer les arachnides autant que ces drôles d'animaux que sont les batteurs.

Par Didier Delinotte
26 mai 2023
Prix : 38 €

De Woody Guthrie et des Protest-singers new-yorkais… Du mouvement hippie aux formes les plus radicales de contestation à travers les Yippies ou les Black (et White) Panthers… Des communautés freaks du sud-ouest londonien jusqu'à la rébellion punk et le rock indé des Dead Kennedys... Sans parler des univers voisins : free-jazz, reggae, kraut-rock, rock de l'Est... Le rock a toujours été très politique, au moins dans les années 1960 et 1970, même s'il l'est devenu beaucoup moins et que d'autres formes musicales (rap ou slam) ont pris le relais, avec plus ou moins de bonheur par la suite. Il ne sera pas question de ces musiques ici, mais modestement de raconter l'histoire du rock en la restituant dans son contexte politique, au long de trois décennies qui ont failli ébranler le monde. Rock et politique, ou Les politiques du rock, vise, sur le mode de l'épopée, à revenir sur ces quelques années où les rockers, avec leurs guitares en baïonnettes, se sont jetés à l'assaut du ciel ou, plus exactement, du monde capitaliste de la marchandise et du spectacle. Ils n'ont pas réussi à déloger le Léviathan, à déboulonner la statue, mais ils auront essayé. Et il n'est pas nécessaire d'espérer pour entreprendre.

Par Michel Gosselin
22 septembre 2023
Prix : 28 €

Jusqu'alors des musiciens de jazz s'étaient amusés à jouer et à chanter du rock and roll, sans grand succès, malgré les tentatives burlesques et talentueuses de Boris Vian ou Henri Salvador... Et un jour arriva un jeune débutant nommé Johnny Hallyday. Sur son deuxième 45 tours, en 1960, il chantait « Souvenirs souvenirs », avec un riff de guitare électrique époustouflant, joué par un musicien de studio, déjà très demandé à l'époque : Léo Petit. Et rien ne fut plus jamais comme avant. Réalisé avec l'aide précieuse de sa fille Catherine Petit, cet ouvrage retrace la carrière de ce musicien, auteur-compositeur, orchestrateur, arrangeur, que les plus grands noms de la chanson s'arrachaient et qui a travaillé dans des centaines de séances de studios d'enregistrement. Apprécié pour son talent et sa modestie, Léo Petit a abordé les univers musicaux les plus variés, sans oublier sa passion originelle : le jazz. L'auteur Michel Gosselin est journaliste, écrivain, comédien, producteur de radio, documentaliste pour la télévision et a eu l'honneur d'être ami avec Léo Petit.